Alex Da Corte*
Settimo album pubblicato all'epoca dalla cantante, cantautrice e polistrumentista Annie Clark, St. Vincent è pieno di quel tipo di immaginario viscerale che ti rimane impresso molto tempo dopo che le sue canzoni sono svanite. C'è una “piccola pulce affamata” pronta a infettare il tuo “corpo caldo”, un predatore di strada che trasforma l'aggressività in una sinistra promessa, un lavandino che diventa rosso, una testa che non smette di battere e un sogno che finisce all'inferno. . “Mi sento come se stessi scrivendo su un orinatoio”, canta. Ehi, siamo stati tutti lì.
La musica di Clark è sempre stata coraggiosamente intima. (Una delle sue canzoni più famose, “New York”, del 2017, era incentrata sul bacio della terra bruciata di “Sei l'unico figlio di puttana in città che può gestirmi.”) Eppure, il più delle volte, dure verità la assalgono. offuscando il confine tra autobiografia e inganno e nascondendo la sua immagine in maschere estetiche attentamente progettate. Nel suo ultimo album 2021 La casa di papà, ha utilizzato il glam rock degli anni '70 come palcoscenico per esplorare i sentimenti riguardo all'incarcerazione di suo padre per frode finanziaria e altri crimini legati alla finanza. Appare sulla copertina dell'LP con una parrucca bionda, come se usasse una deflessione alla Warhol per affrontare una scomoda realtà personale.
Ogni ragazzo urla È più primitivo che concettuale, e questo lo rende un cambiamento rinfrescante tra gli album di St. Vincent. Molte delle canzoni ricordano il salasso industrial di Nine Inch Nails, il capolavoro dell'opera gotica che si svuota dall'album del 1998 di Tori Amos. Dall'hotel delle ragazze del coro, l'inquietante turbamento del nirvana. Dave Grohl ha eseguito due canzoni e parte dell'album è stata registrata all'Electric Audio, uno studio di Chicago gestito da Steve Albini, i cui crediti includono i Nirvana. Nel grembo materno. I risultati possono essere strazianti: in Broken Man interpreta una “killer sovradimensionata”, pietosa e decisamente pericolosa, dove distorsioni subdole e tamburi metallici accentuano il senso di minaccia. “Reckless” inizia come una ballata di pianoforte triste e tesa, con Clark che promette di “farti a pezzi o mi innamorerò”, poi esplode in un furioso scivolone reznoriano. “Flea” passa da una strofa ammiccante a un ritornello rock alternativo, con l'insetto metaforico di Clarke che promette di risucchiarti quando meno te lo aspetti.
Ma se Ogni ragazzo urla È un album oscuro, non è deprimente. Sebbene i testi di Clark tendano ad approfondire lo spazio tra connessione e disprezzo, desiderio e disgusto (lei chiama questo album “pop post-peste”), la musica non suona mai cupa o sconfitta. Clarke si è esibita per la prima volta nella sua carriera (lavorando con amici batteristi come Grohl, Stella Mujzawa, Josh Freese e l'artista art-pop Cate Le Bon), e puoi provare un vero senso di scoperta mentre gira l'obiettivo sonoro, anche nei momenti più difficili e pesanti di questo disco. “Hell Is Here” divide la differenza tra minaccioso e trasportativo, proprio come “Five Years” di David Bowie, fluttuando ampiamente su una linea di basso impennata e una complessa figura di chitarra. “Sweetest Fruit” utilizza impulsi elettronici discontinui come sfondo al caratteristico lampo di chitarra sconnesso di Clark, offrendo allo stesso tempo testi che bramano il piacere come antidoto all'angoscia. In “The Power's Out”, il collasso sociale si trasforma in una libertà caotica in Year Zero (“Nessuno può incolparci ora che il potere è finito”), mentre la voce di Clarke si estende splendidamente su percussioni nude e un drone elegiaco alla Brian Eno. esque. . Con i suoi ritmi reggae e la melodia rilassante e rilassante, “So Many Planets” è il tipo di pop intelligente e leader a livello mondiale in cui spesso si specializzava il suo amico e collaboratore David Byrne, con un assolo sensuale e rassicurante di Clarke. “no no no” Astenersi.
Lo conclude con la grande traccia del titolo di sette minuti, un'altra melodia che sembra liberatoria e terrificante allo stesso tempo. La canzone inizia brillante e vivace, poi sfuma nell'etere ambientale mentre il coro della Voce di Dio piomba a ricordarci che “siamo tutti nati per urlare”, trasformando questo avvertimento rassegnato in un mantra pieno di sentimento. Poi la traccia si riscalda nuovamente in un feroce e frenetico chiacchiericcio elettronico. È la musica che evoca il terrore che tutti condividiamo semplicemente nell'essere vivi, e il modo in cui combattiamo è una forma di nascita costante che condividiamo anche tutti. È questa verità che questo album esplora e celebra più volte, ed è il motivo per cui è una delle musiche più avvincenti di Annie Clark fino ad oggi.
